CDmonitor

Рецензия на альбом группы «ДАЙ» «Виновен тем, что жив» (1995 / 1996 / 2015)

ДАЙ
Виновен тем, что жив

℗ 1995 / 1996 / 2015 ДАЙ / MetalAgen Records / Metal Race Records MR 015
11 tracks = 51'28"

ДАЙ_95_15
Слушать альбом группы «ДАЙ» «Виновен тем, что жив» на Bandcamp

Негласно считается, что фирмы-переиздатели, тем более отечественные, в основном выпускают альбомы тех артистов, «которых никто не знает и они никому не нужны» (©, к сожалению). Не без того, согласимся, но в рок-истории любой развитой страны существуют и такие полузабытые или слобопопулярные релизы, мимо которых никак нельзя пройти. Понятно, что в первую очередь – переиздателю, но и не самому узкому слушателю – тоже.

Единственный альбом московского квартета «ДАЙ» даже в момент своего первого издания в 1996 году воспринимался полумифической «передовой публикой» как некий страшный анахронизм, которым только детей пугать. А напрасно – середина 90-х была как раз эпохой перехода очевидный кумиров и учителей «ДАЙ», а именно Metallica, в разряд суперзвезд абсолютно мэйнстримного свойства, и аккурат в тот момент нашей сцене такой «наш ответ Америке» вовсе не помешал бы. Да что там «наш ответ» – такой альбом как «Виновен тем, что жив», и даже всего-то его первая, студийная часть (первые четыре трека) просто обязан был катапультировать «ДАЙ» в мэйнстрим. Но на дворе стоял 1996 год – модные товарищи упивались уже несуществовавшим триумфом Nirvana и всего, что они считали за «гранж и альтернативу», и на этом фоне даже «Ария» считалась молодой и малоизвестной группой, ибо о её успехах в 80-е на тот момент никто не помнил. Да и просто считалось, что трэш-метал – это страшная и маргинальная музыка городских окраин, за что отдельное спасибо тогда ещё недохлому якобы главреду одного очень нерегулярно выходившего рок-журнала.

Переслушивая почти четверть века спустя «Виновен тем, что жив», тем более с современным ремастерингом не нуждающегося в представлении Евгения Виноградова, бывшего в те времена фронтменом и ритм-гитаристом «ДАЙ», в очередной раз удивляешься, насколько же своевременным был этот альбом для России 1995–1996 годов. Вероятно, можно обвинять Евгения и его коллег в плагиате Metallica – но это именно тот случай, когда к термину «плагиат» напрашивается определение «творческий». К музыкальному материалу группы не может быть никаких претензий, даже со скидками на условия записи – известно, что последние четыре номера основной программы альбома были записаны с концерта в московском клубе «Вояж» 2 июля 1995 года, и затем уже смикшированы приличным образом. Тексты какие-то «не такие»? Ну, это трэш-металлический альбом, а не поделие в сомнительной стилистике «русского рока», и музыканты «ДАЙ» никогда себя за подвижников текстовой идеи не выдавали. Людям же, удивляющимся на современные продюсерские навыки Евгения Виноградова, следует обязательно ознакомиться с альбомом – и все вопросы отпадут: если человек так занимался звучанием своей группы 25 лет тому назад, то какие к нему могут быть вопросы сейчас? Причём на записи «ДАЙ» демонстрирует редкий дар ансамблевой игры, не всегда в полной мере доступный отечественным трэш-металлистам. Но ансамбль всегда есть сумма индивидуальностей, и звучание гитар Евгения и Сергея Боголюбсого и прямо-таки паровозной бас-гитары Леонида Бажоры и в 2020 году могут служить образцом для всех и каждого, кто хочет записать настоящий олдскульный трэш-альбом. Искренне жаль, что о группе «ДАЙ» приходится говорить как о великой несбывшейся надежде отечественной хэви-сцены, но нам ли привыкать к таким разговорам…

Переиздание «Виновен тем, что жив» от Metal Race Records комплектуется тремя бонус-треками, записанными уже в 2000–2002 годах, и если номер «Москвалиада» и комбинированная, выразимся так, кавер-версия Metallica “Wheleper I Messiah Roam” ничего нового к завидным статям альбома не добавляют, то почти индустриальная кавер-версия «Волонтёра» (1985) «Арии» позволяет взглянуть на музыкантов как смелых экспериментаторов на грани дозволенного – хотя поклонников «Арии» эта жесточайшая версия стародавнего хита точно не обрадует. Что ж, возможно, это и лишний трек в переиздании – но не будем сетовать, ведь задача переиздателя – представить наличный песенный каталог группы полностью. А раз объектом дополнения стал такой альбом, как «Виновен тем, что жив», то никто не заставляет вас выходить за пределы основной песенной программы. Вот её в первую очередь и слушайте – это не просто радость металлиста, но и повод для размышлений о том, что было бы, если в стране России действительно наличествовала высокая массовая музыкальная культура.

Альбом «Виновен тем, что жив» на YouTube (исходная версия, 8 треков):
CDmonitor

Рецензия на альбом группы «Волчья сотня» «Печаль ангела» (2016)

ВОЛЧЬЯ СОТНЯ
Печаль ангела

℗ 2016 More Hate Productions MHP 16-184 / ФОНО
12 tracks = 55'21"

Волчья_сотня_16
Альбом группы «Волчья сотня» «Печаль ангела»на iTunes
Слушать альбом группы «Волчья сотня» «Печаль ангела»на Яндекс.музыке

Когда автору было предложено написать рецензию на группу с названием «Волчья сотня», он, как человек, читавший роман «Остров Крым» Василия Аксёнова и вообще знакомый с отечественной историей XX века, несколько встревожился. Что это – неужели очередные ай-люли со свастикой с текстами об одновременно обиженной и великой России? Ан нет, оказывается – «светлый металл» вполне в духе «Арии» начиная с 1989 года и её бесчисленных ныне клонов, совершенно уже типовой и рассчитанный именно на аудиторию только что упомянутых рок-героев. Только, как говорилось уже не раз, проблема заключается в том, что аудитории «Арии» никакие другие группы, даже клонирующие её кумиров не нужны вообще. Ну, разве только группа «Кипелов» – и то уже непонятно, насколько. Проблема не нова, но отечественные условно молодые музыканты раз за разом наступают на одни и те же грабли, о наличии которых масса экспертов писала далеко не раз.

Здравомыслящие эксперты также уже оттоптались на интересном, гм, шрифтовом оформлении обложки буклета «Печали ангела» – и на её оформлении: да, только ленивый не узрел здесь очевидно заимствованного мотива обложки дебюта немцев Blind Guardian “Batallions Of Fear” (1988). Ладно, потребитель «русметала» про какой-то там басурманский Blind Guardian знать не обязан – но неужто создававшие альбом московские музыканты тоже впали в грех обскурантизма? Что же касается музыки, то здесь вспоминается характеристика «Арии» от одного из наших рокеров 90-х годов: «“Ария” – это не рок-группа, это ВИА [вокально-инструментальный ансамбль] с овердрайвом». Материал «Печали ангела» и звучит именно как ВИА с овердрайвом – особенно это касается номеров «Выбор твой» и «Герои после войны», да и баллада «Нежность» (вполне себе ВИА-название!) затерялась на полдороге между «Арией» и как раз ВИА, который мог бы носить название «Нежность». Причём дело даже не в вокальных мелодиях – русская поп-мелодика в сочетании с настоящей рок-подачей способна творить эмоциональные чудеса, но в вокальных данных Евгения Смагина. Ничего личного, но такой вокалист вполне мог бы оказаться у микрофона именно ВИА году так в 1976-м. Но только не в «Весёлых ребятах» и даже не в «Самоцветах», а в ВИА сильно второй лиги вроде каких-нибудь, прости господи, «Акварелей». Плюс к удручающему вокалу – никакой уровень эрудиции музыкантов: вроде бы понятно, что персонаж, позиционирующий себя хэви-рокером, обязан знать о достижениях мировой рок-сцены в избранном стиле. Ан нет, иностранные влияния здесь заметны разве что в пьесе «Иди к мечте!», являющейся попыткой стать эдаким «Stratovarius вообще».

«Волчья сотня» позиционирует себя как скромный суперсостав – идеологи коллектива в своё время выступали в грппах «Аркаим» и «Штиль». Но раз суперсостав, пусть и третьей линии – то подразумевается мощный звук, а здесь гитарные партии теряются в море разливанном весьма натужно порхаюших клавишных партий и довольно-таки плоско и натужно звучащих ударных. Даже несмотря на участие в записи известных музыкантов, в том числе лидера группы «Алексеевская площадь Кирилла Евсеева в роли клавишника, толкового альбома у «Волчьей сотни» не получилось. Да, теоретически любители «русметала» могли бы ему возрадоваться, но на практике – см. выше.

И последнее: ну когда наши рокеры начнут дружить с родным языком, хотя бы даже при оформлении CD? Ладно, англофильское написание слов в названии песен с заглавных букв как повелось с легкой руки безграмотного (и не знающего английского языка) младшего ведущего «Звуковой дорожки» «Московского комсомольца» ещё в конце 80-х, так и не выкорчёвывается до сих пор… Но вот когда песню называют «Жги до Тла» – это вот как? И никто подсказать не может? То есть не очень понятно, зачем на запись «Печали ангела» нужно было тратить, по уверению музыкантов, три года: такие смехотворные в своём пафосе работы могут записываться гораздо быстрее. А забываться – ещё быстрее!
CDmonitor

Рецензия на альбом группы NeverDie “Catch A Bird” (2018)

NEVERDIE
Catch A Bird
(Digipak)
℗ 2018 Mazzar MZR CD 832
11 tracks = 40'31"

Neverdie_18
Слушать альбом группы NeverDie “Catch A Bird” на Bandcamp

Одни обозреватели пишут о третьем альбоме башкирского состава NeverDie буквально: «это готик-метал, каким он должен быть». Иные же собратья по перу поругивают “Catch A Bird” за излишнюю простоту, музыкальную прямолинейность и нераскрытые возможности музыкантов как композиторов, аранжировщиков и исполнителей. Как ни странно, правы все сразу: возможно, это прозвучит неожиданным даже для участников NeverDie, но им в рамках известной современной моды на ретро-рок поймать за хвост – опять параллели с птицей, в том числе на обложке CD – некоторую ностальгию целевой аудитории по раннему, несколько наивному готик-металу первой половины, а то и первых двух третей 90-х. Поэтому об «упрощенчестве» не стоит говорить – скорее о характерности, но характерности и достоверности в ретро-облике представленного музыкального материала. Альбом “Catch A Bird”, будь он записан лет 20 с лишним назад, выглядел бы очень органично в каталогах таких не последних фирм-издателей, как Music For Nations или Black Mark соответствующей эпохи.

Идея о прямолинейности и простоте берётся вот откуда: NeverDie как единая группа сознательно создаёт простые инструментальные аранжировки довольно-таки усложнённых по структуре пьес, и добивается при этом изрядного драматического эффекта. Тому же способствует не самый стандартный для субстиля вокал Регины Мухамадеевой, одинаково выразительный и в верхнем, и в нижнем регистрах – часто даже кажется, что в составе группы две вокалистки. Также крайне отрадно явно намеренное неприменение группой в аранжировках клавишных струнных партий и иных красивостей, от обилия коих на современных альбомах просто скулы сводит. А раз так, то обязанности по нагнетанию нешуточного драматизма достаются именно Регине, и она справляется с ними на потрясающем уровне – взять хотя бы титульный номер, или развёрнутую, невзирая на скромный хронометраж, пьесу “Fog Over The Lake”. Конечно, при скромности выразительных средств группе никуда не уйти от работы с фольклорной мелодикой, что прекрасно иллюстрирует «восточная песня» “Smell The Nougat” с её ложно сладкими партиями акустических гитар и опять же изрядной вокальной драмой. Отступления же от аранжировочных скромностей в облике совершенно неожиданных партий саксофона Васима Шарапова можно обнаружить лишь в двух финальных номерах альбома – спид-металлическом (!) в старом смысле термина “Evaluation” и кавер-версии “Anubis” греков Septic Flesh (2008). Причем данный кавер также аранжирован в стилистике 90-х, что придает ему облик собственной авторской пьесы NeverDie. Очень похвально, что музыканты отошли на “Catch A Bird” от излишних экстремальностей и аранжировочных модностей, свойственных их альбому “The Source Of Black Water” (2011) и вернулись к простым музыкальным формулам дебюта “Forgotten World” (2008). Возможно, эта рекомендация слишком проста, но если вам когда-то запал в душу альбом шведов Lake Of Tears “Headstones” (1995), то и “Catch A Bird” постарайтесь не пропустить из вида, точнее – из слуха. Как для кого, но для автора этих строк обе эти работы удивительно схожи своей музыкальной атмосферой.

Видеоклип к пьесе “Catch A Bird”
CDmonitor

Рецензия на альбом группы Dissector “Planetary Cancer” (2016)

DISSECTOR
Planetary Cancer
(Digipak)
℗ 2016 Mazzar MZR CD 761
12 tracks = 52'39"
Dissector_16
Слушать альбом группы Dissector “Planetary Cancer” на Bandcamp
Альбом группы Dissector “Planetary Cancer” на iTunes
Слушать альбом группы Dissector “Planetary Cancer” на Яндекс.музыке

Коль скоро отечественные музыканты знали и знают толк в том, как правильно сочинять и исполнять трэш-метал, им же с руки ответить и на не самый простой вопрос: до каких границ можно расширять звучание стиля, чтобы он не превращался ни в техно-трэш, ни в иные пограничные субстили, вроде готического или индустриального трэша? Второй полноразмерный альбом бывшего магаданского, а ныне питерского состава Dissector даёт воистину развёрнутый ответ на данный вопрос, причём результат нисколько не назидателен и не скучен для слушателя. “Planetary Cancer” оказывается такой работой, которая ни на такт не даст заскучать ни просто искушённому любителю трэш-метала, ни даже специалисту и эксперту, опытному в вопросах звучания традиционных (и не очень) трэш-металлических групп, и даже непосредственно занимающемуся их продюсированием.

В определённом смысле Dissector ставит здесь с трэш-металом тот же эксперимент, что в своё время проводили немцы Kreator на памятном многим альбоме “Outcast” (1997). Но если Kreator тогда по преимуществу уходили в готический трэш-метал, то наше трио экспериментирует с электроникой почти безо всякого уклона в индастриал, а также, не удивляйтесь, и с альтернативным роком! Именно яростные, но альтернативные по звуку партии ритм-гитар стали едва ли не фирменным знаком “Planetary Cancer”, и нигде они не слышны лучше, нежели в титульном треке и пьесе “Fallen One”. Плюс, несмотря на появляющиеся там и сям электронные попискивания, мигом напоминающие о первых шагах и первой славе на хэви-сцене американцев Fear Factory, материал альбома в целом тяготеет к традиционному и вполне мелодичному трэш-металу именно усреднённой европейской модели, от Берлина до Лондона и обратно. За пределы подобного традиционализма оказались вынесены разве что откровенно технократический номер “Currency Of Life” и трек “Perfect Smile” не без некоторого уклона в пост-метал, делающий его схожим с творчеством зрелого периода соотечественников Grenouer. Плюс на альбоме имеется настоящая европейская трэш-металлическая баллада, а именно финальный трек песенной программы “Invisible Lies”. Правда, баллада эта отличается изрядной готичностью, да и спета она прекрасной дамой – Рэчел Греч (Rachel Grech) из мальтийской (!) группы Blind Saviour, что придает не то что этому номеру, а и всему альбому в целом долю финального дьявольского очарования, совершенно уместного в контексте избранной музыкантами стилистики. Конечно, некоторые попеняют “Planetary Cancer” за известную аранжировочную разнонаправленность, обеспечиваемую не только студийными изысками, но и изрядным числом гостей-инструменталистов – но на дворе далеко не середина 80-х, чтобы просто радоваться исполнению трэш-метала как такового. И если вы ратуете за современный трэш-метал, то “Planetary Cancer” – однозначно ценная находка на пути ваших поисков.
CDmonitor

Рецензия на концертный альбом Джеффа Бека (Jeff Beck) “Live At The Hollywood Bowl” (2018)

JEFF BECK
Live At The Hollywood Bow
l (2 CD / Cardboard Sleeve)
℗ 2018 Deuce Music / ATCO / Rhino / Warner Music Group / Warner Music Russia 603497865024
12 + 9 tracks = 46'31" + 46'11"

Jeff_Beck_18

Концертный альбом Джеффа Бека (Jeff Beck) “Live At The Hollywood Bowl”на iTunes
Слушать концертный альбом Джеффа Бека (Jeff Beck) “Live At The Hollywood Bowl”на Яндекс.музыке

Имя «гитарного бога для гитарных богов», англичанина Джеффа Бека, настолько ничего не говорит не то что отечественному широкому слушателю, а даже и большинству считающих себя эрудированными меломанов, что его единственный концерт в московском зале “Crocus City Hall” несколько лет назад оказался сильно нераспроданным… Да что там говорить о публике, если автор этих строк сам слышал своими ушами, как один очень известный отечественный рок-гитарист после посещения выступления Джеффа в США публично разглагольствовал о том, что-де «сейчас такая музыка нужна только старым и немодным идиотам». И это – о человеке, который не только запустил в 1968 году профессиональную карьеру певца Рода Стюарта (Rod Stewart), бывшего тогда первым фронтменом Jeff Beck Group, но и без которого звук и мир современной электрогитары был бы совсем иным. К счастью, во всём остальном мире, от Польши и западнее, Джефф – бесконечно уважаемая рок-звезда мирового уровня с понятными коммерческими последствиями. Посему не удивляйтесь, что “Live At The Hollywood Bowl” – уже седьмой концертный альбом Джеффа за всю его карьеру (и восьмой, если считать изданный только в Японии концертник группы Beck, Bogert & Appice 1973 года), причем не самый обычный. Дело в том, что концертами тура 2016 года Джефф справлял полувековой юбилей собственной профессиональной деятельности, и потому программа двойника и сопутствующего ему DVD охватывает всё, что только можно – от древних поп-хитов Yardbirds до материала со своего последнего и вновь условно модного студийного альбома “Loud Hailer” (2016), да еще в присутствии на сцене ничуть не менее знатных, чем он сам, гостей.

В наш век безудержного технического прогресса основным форматом концертного альбома уже давно стал в лучшем случае аудиовидеокомплект DVD+CD (или «плюс несколько CD»), однако же представители старой рок-школы не пренебрегают и просто CD-комплектом – качество подобных авторских релизов даёт им на это право. А в случае с “Live At The Hollywood Bowl” если и говорить о качестве, то о качестве какого-то совершенно галактического уровня: давно ли вы слышали концертный рок-альбом, по прослушивании (и даже не просмотре!) которого хочется всё немедленно бросить – и нет, не уехать в Урюпинск, а прямо сейчас научиться играть на электрогитаре? Ветеран знает и всегда знал некий практически не дающийся другим гитаристам секрет, и при всём разнообразии материала, от блюза до фьюжна и гитарного мэйнстрим-рока 60-х (“Heart Full Of Soul” и “For Your Love” Yardbirds) до блюз-рокового модернизма материала с “Loud Hailer” с блюзовой и рок-классикой посередине (“Rough Boy” ZZ Top и инструментальная версия “A Day In The Life” The Beatles) концертная программа совершенно не производит впечатления эклектического собрания сочинений Великого. Что ж, правы считающие, что главным умением Джеффа на протяжении всей его карьеры с её иногда непонятными стилистическими поворотами было умение встроить звук своей гитары в какой угодно музыкальный контекст. А коль скоро с Маэстро играют музыканты сами понимаете какого уровня, а не пионеры, то и результат неизменно оказывается выше всяческих похвал. Причём профессиональный уровень нынешнего состава Джеффа никак не связан с известностью музыкантов – таковой может похвастаться лишь бас-гитаристка Ронда Смит (Rhonda Smith), работавшая в составе покойного Принса (Prince) и отчасти вокалист Джимми Холл (Jimmy Hall) из южнороковой группы Wet Willie. Зато каждый из этих людей отобран в группу лично Джеффом – а это что-то да значит. Столь же кропотливо подобраны и гости сценического шоу – и мы даже не будем говорить о мастере блюза Бадди Гае (Buddy Guy), с которым Джефф откатал весь юбилейный тур. Умеренно модная ныне Бет Харт (Beth Hart), виртуоз фьюжн-клавишных Ян Хаммер (Jan Hammer), работавший с Джеффом во второй половине 70-х, лидер ZZ Top Билли Гиббонс (Billy F. Gibbons) и фронтмен Aerosmith Стивен Тайлер (Steven Tyler) – кому еще под силу собрать на сцене такую малую рок-энциклопедию, как не Джеффу? Вот и оцените авторитет гитариста, если персонажи подобного калибра почитают за честь оказаться с ним на одной сцене в роли всего лишь гостей… В результате правило «профессионалы должны держаться вместе» дарует нам еще и максимально безупречный по звуку концертный альбом, хотя Джефф и его коллеги прекрасно знают, где находится граница между сценическим драйвом и стерильностью звука – и, к счастью, ни разу не переходят её. Сам же гитарист в свои 72 года находится в прекрасной исполнительской форме и, как принято выражаться сейчас, «мотивирован на результат». Причём настолько, что “Live At The Hollywood Bowl” совершенно невозможно описать даже восторженными выражениями – все, для кого понятие «классический рок» не является пустым звуком, обязаны ознакомиться с этим двойником. Причём именно на толковой компонентной аппаратуре с хорошими кабелями, и никак иначе – и тогда электрогитара сама попросится к вам в руки.

Промо-видеоролик к концертному альбому “Live At The Hollywood Bowl”


Концертный видеоклип к пьесе “Star Cycle”


Концертный видеоклип к пьесе “Let Me Love You”


Концертный видеоклип к пьесе “Train Kept A-Rollin'”


Концертный видеоклип к пьесе “Purple Rain”
CDmonitor

Рецензия на концертный альбом группы Led Zeppelin “How The West Was Won” (1972 / 2003 / 2018)

LED ZEPPELIN
How The West Was Won
(3 CD / Cardboard Sleeve)
℗ 2003 / 2018 Atlantic Recording Corporation / Warner Music Group / Warner Music Russia 0603497862788
10 + 4 + 4 tracks = 56'11" + 53'11" + 38'48"
Led_Zeppelin_1972_18
Слушать концертный альбом группы Led Zeppelin “How The West Was Won” на Яндекс.музыке

Давайте спокойно вдохнём, выдохнем, расслабимся и не будем уподобляться немалому числу британских и чуть меньшему количеству североамериканских музыкальных обозревателей, чуть не на потолок лезущих от восторга по случаю переиздания архивного концертного альбома Led Zeppelin с записями из июньской Калифорнии 1972 года, впервые увидевшего свет 15 лет назад. У нас, «рождённых (к несчастью, добавлю я) в СССР» собственная, если так можно выразиться, гордость – в те годы, когда это было актуальным, мы вообще не могли вообразить, что когда-либо попадём на концерты хоть каких рок-имён 70-х. От декабря-1987, когда до СССР доехали-таки Uriah Heep и Wishbone Ash, нас отделяла ещё целая эпоха… Поэтому музыку своих кумиров мы воспринимали только и только со звуковых дорожек альбомов, причём чаще всего в магнитофонной перезаписи. Как ни парадоксально, но “How The West Was Won” (под Западом, который «был побеждён», здесь имеется в виду Калифорния) оказывается единственной доступной жителю Большого Мира параллелью с подобным, чисто «пластиночным» восприятием рок-музыки: не был лично на концерте Led Zeppelin, причём именно на территории США – не говори, что тебе понятен феномен их величия. Ибо каким бы рок-историческим артефактом не оказывался “How The West Was Won”, именно историзм и документальность перевешивают в нём музыкальность. Вы удивлены?

Плач о том, что на протяжении истинной карьеры Led Zeppelin у группы не было настоящего концертного альбома, записанного именно в момент пребывания квартета на пике творческой и исполнительской формы (где тот пик – у каждого своё мнение), не смолкает как минимум с декабря 1980 года, когда было заявлено о роспуске коллектива. Альбом “The Song Remains The Same” (1976), записанный с трёх концертов в нью-йоркском зале “Madison Square Garden” в июле 1973 года рассматривался вплоть до своего ремастированного переиздания с шестью бонус-треками в 2007 году как огрызок саундтрека к одноимённому концертному фильму (каковым девятитрековым огрызком он и был). К тому же считалось общим местом, что на “The Song…” группа демонстрирует небывалое самолюбование – без которого, на минуточку, «цеппелинов» и представить себе невозможно. Архивный же концертный сборник “BBC Sessions” (1997) с записями 1969 и 1971 годов из студий BBC был скромен по понятной причине – численно невеликая аудитория и небольшой зал не обеспечивают должного энергетического обмена между музыкантами и аудиторией. То есть на момент своего первого издания в 2003 году “How The West Was Won” оказывался совершенно вне конкуренции: 1972 год – это, похоже, действительно пик карьеры Led Zeppelin, состоявшийся до перехода команды на траекторию саморазрушения во всех смыслах этого термина и разрастания эго самих музыкантов до совершенно неприличных размеров.

Концертник вызывал мало вопросов в 2003 году, однако минуло полтора десятилетия, на которые пришлось и расширенное переиздание “The Song Remains The Same”, которое в таковом формате и с личным ремастерингом Джимми Пейджа (Jimmy Page) оказалось ненамного хуже рассматриваемого тройника. Вероятно, сперва Джимми также предполагал «расширение и улучшение» “How The West Was Won” – с осени прошлого года последовательно ходили слухи о включении в данное переиздание бонус-треков, об издании обоих полных концертных программ (25 июня в зале “L.A. Forum” и 27 июня на “Long Beach Arena”) под одной обложкой и об отдельной компоновке представленных треков с разных концертов в раздельные фрагменты аудиопрограммы. Ничего этого сделано не было – напротив, переиздание оказалось на три с лишним минуты короче исходного издания 2003 года: из рок-н-ролльного попурри в середине “Whole Lotta Love” оказался выкинут фрагмент пьесы Джина Питни (Gene Pitney) “Hello Mary Lou”. Ладно, нового не прибавили, так хоть старое не отнимайте – тем более, что никаких разъяснений м-р Пейдж по этому поводу не дал. Новый ремастер тоже не оказался радикальным – как-никак, Джимми работал и над исходным изданием, так что здесь просто оказался несколько подтянут и вычищен диапазон высоких и средневысоких частот, ничего нового в звуке группы не раскрылось. Дизайн же приведён в соответствии с современными требованиями: не диджипэк, но картонная обложка «под винил», комплектующаяся 20-страничным буклетом-фотоальбомом CD-формата с глубокой лакировкой.

Но, как бы не был исторически важен для любого рок-поклонника этот тройник, он наглядно доказывает, что легенда о Led Zeppelin – и, очевидно, её концерты в целом – были куда лучше, нежели собственно группа. 20-минутные версии собственных пьес Led Zeppelin куда как интереснее смотреть, нежели просто слушать (общеизвестные DVD группы тому примером), да и при внимательном прослушивании из звуковой панорамы вылезает известная, выразимся так, неаккуратность Джимми как соло-гитариста, мысль которого в импровизациях уезжает куда-то в сторону от исходной музыкальной идеи конкретного номера и в результате заводит и его лично, и всю группу неизвестно куда. Честно говоря, самые интересные аудиофрагменты тройника – это именно короткие, до пяти минут, пьесы, плюс, естественно, “Stairway To Heaven” (1971). Здесь музыканты просто играют именно то, чего от них ждёт публика – и получают соответствующую энергетическую отдачу зала. Собственно, программа попутно подтверждает, что основой концертного звука Led Zeppelin были не те два музыканта, на которых все молятся, но могучая ритм-секция в лице Джна Пола Джнса (John Paul Jones) и Джона Бонэма (John Bonham) – с такими монстрами за спиной Джимми мог творить вообще всё что угодно, взаимодействие с аудиторией обеспечивали как раз два Джона. Да и визуально напор ритм-секции и квартета в целом чрезвычайно завораживает: достаточно сказать, что архивный DVD “Led Zeppelin DVD” (2003) продался в свое время в почившей в бозе сети магазинов «Пурпурный Легион» в количестве чуть не на порядок большем, чем первое издание “How The West Was Won”. Другое дело, что иметь данный CD-тройник в коллекции всякому поклоннику классического рока полагается, как говорится, по умолчанию – но это относится именно к легенде о группе, а не о реальном качестве Led Zeppelin как реально существовавшего концертного состава. Остаётся только слушать исторические записи тех Великих, на концертах которых ты не был и уже не побываешь никогда. Ещё раз спасибо товарищу М.А. Суслову и ряду других высокопоставленных коммунистических товарищей за наше (не)счастливое детство и юность.
Zelenograd

Год 1984. Лже-Пушкин против группы Saxon.

Ровесники, а также и сограждане постарше должны помнить, что при большевиках в каждом советском учебном институте существовало такое материальное понятие, как Кабинет марксизма-ленинизма. То есть всякий студент мог в часы работы оного Кабинета придти туда и приобщиться к трудам классиков этого самого марксизма-ленинизма, а также и ко всей такой прочей литературе. Не знаю уж, захаживал туда кто или нет – все эти труды имелись и в общеинститутских библиотеках.

Существовал такой Кабинет и в родном МИЭТе, и у кабинета имелся, понятно, заведующий. "Заведующий Кабинетом марксизма-ленинизма" – это звучит гордо! У нас таким заведующим был чувак лет 27 от роду, похожий на Пушкина, и кличка у него была соответствующая, но я буду называть его здесь «лже-Пушкин».

Лже-Пушкин был понаехавшим откуда-то там, и окончил вовсе не какое-то идеологическое учебное заведение, а всё тот же МИЭТ. Как часто бывало с понаехавшими, чувак просто ухитрился выгодно жениться на дочке тот ли какого-то МИЭТовского начальника, то ли начальника городского или промышленного значения – подробностей не помню, да они меня никогда и не интересовали. Главное было то, что лже-Пушкин изображал из себя гиперидейного деятеля, всё набегал, зазывал на какие-то идеологические конференции, субботники и всё такое прочее. Зла на него никто не таил – было видно, что парень-то он не злой и не вредный, просто на такой должности находится.

Но в феврале 1984 года лже-Пушкин лихо сел в лужу.

Посадка в лужу имела форму контрпропагандистской лекции о вреде рок-музыки, столь нередкой по тем временам. Ну что согнали товарищей с нашего потока, кого могли отловить, в этот самый Кабинет марксизма-ленинизма, и лже-Пушкин попытался лихо задвинуть речь.

Речь у него, что немного предсказуемо, получилась недлинная, я же во время нее рисовал, как обычно, какие-то загогулины и чертей в тетрадочке.

Saxon_with_logo

Помню из той речи аж целых три положения:

• В мире сейчас всё непросто, а очень даже сложно (стандартный заход для таких речей), поэтому на советскую молодежь пытаются дурно влиять и т.д. и т.п.

• Английская группа Saxon – фашисты! Они называются так, и у них на логотипе (лже-Пушкин термина не знал, не помню уж, как он вывернулся) изображены топоры!

• Очень вредной является также отечественная группа "НИИ Косметики"! Вот посмотрите, их лидер говорит в интервью, которое он дал "Голосу Америки" (??? – на самом деле это наверняка было "интервью" для какого-нибудь самиздатовского ГБшного творения типа "журнала" "Ухо") о том, что он любит пить водку, наряжаться в женскую одежду и заниматься сексом!

Более ничего не помню, да и повторюсь, недолго сия "лекция" продолжалась – хорошо если 20 минут, а то и менее.

В последующие времена, по словам моей покойной матери, работавшей тогда в МИЭТе, лже-Пушкин стал горячим борцом за всё хорошее против всего плохого и большим активистом Перестройки. "Немного предсказуемо". Что с ним стало дальше – я не знаю и никогда не интересовался.

Saxon_logo

История о "фашистской группе с топорами" была рассказана в октябре 2006 года лично Биффу Байфорду и его парням во время последнего приезда Saxon в Москву и вызвала много веселья.

А в декабре 1986 года пьеса Saxon "Princess Of The Night" (1981) оказалась исторически первым хэви-металлическим произведением, прозвучавшим на волнах Всесоюзного радио. Ту программу, название коей не помню и которая не имела продолжения, вёл Раймонд Паулс собственной персоной.
CDmonitor

Рецензия на EP группы Reportage “Escape This World” (2019)

REPORTAGE
Escape This World
(EP)
℗ 2019 Molot Records / Irond IROND CD 19-1946
9 tracks = 38'31"

Reportage_19
Слушать EP группы Reportage “Escape This World” на Яндекс.музыке

Когда у группы есть хороший бюджет – это прекрасно, но иногда этот бюджет уходит на странноватые, с точки зрения эксперта и слушателя, эксперименты. Это именно то, что случилось с екатернбуржским составом Reportage (или всё же REportage?): вторая её работа “Escape This World” является по существу четырёхтрековым EP, добитым до условной «виниловой» длины пятью бонус-треками, взятыми с дебютного альбома “Prison Of Ice” (2018), но представленными здесь в переаранжированных версиях – с участием симфонического оркестра. Впрочем, оркестр задействован и на трёх номерах основной программы…

Если оценивать именно новую составляющую данной работы, никаких претензий не возникает: музыканты Reportage совершили изрядный шаг в сторону утяжеления звучания. Если дебют отдавал дань не самым очевидным в России рок-образцам в диапазоне от нью-йоркцев Blue Öyster Cult (!) до современного утяжелённого творчества британцев Magnum, то сейчас структуры гитарных партий Андрея Шрейдера и Владимира Аникина однозначно указывают на нынешний ориентир творчества команды – а это современная Metallica (что особенно заметно в номере “Do They Await”), не более и не менее. Правда, трэш-метал как таковой Reportage сочинять и играть не торопится, но наличие кованых гитарных риффов в привычной структуре номеров, изначально тяготеющих всё же к классическому хард-н-хэви 80-х, придаёт новому материалу уже чисто хэви-металлическое звучание. Спасибо за новаторский и неизбитый подход к сочинительству и аранжировкам плюс за динамичное продюсирование – пьеса “Burn The Bridges” и титульный трек безусловно хороши и способны увлечь своей музыкальной драматургией что слушателя со стажем, что неофита, только начавшего свое путешествие в рок-н-ролл во всём его разнообразии.

Вызывающий же удивление эксперимент – это как раз наличие на записи “Escape This World” оркестра Уральского театра эстрады: нет, плохо не получилось, но коль скоро оркестр задействован на 8/9 части материала работы, то хочется, чтобы его было элементарно побольше. Оркестровые партии очень просты и фрагментарны – их вполне можно было бы исполнить и записать на серьёзной клавишной рабочей станции, разве что за исключением трека “Don’t Run Away”, где классические инструменты слышны отлично, и сам оркестр, как говорится, «живёт и дышит». Да, никаких претензий к отбору бонус-материала нет, но, повторимся, именно оркестра на оркестровых номерах сильно не хватает… Учитывая завидное быстродействие музыкантов Reportage в работе над новым материалом (они явно не считают, что написание одной песни раз в десять месяцев свидетельствует о высочайшем качестве этой песни), очень хотелось бы, чтобы их треться работа стала настоящей работой над ошибками. Что же касается “Escape This World”, то он войдёт в историю группы как «промежуточная» работа – каковой он технически и является, невзирая на все свои минусы и плюсы.

Концертный видеоклип к пьесе “Escape This World” (запись с оркестром Уральского театра эстрады 25 ноября 2016 года)

Зеркало данной публикации на Дзен-канале автора
CDmonitor

Рецензия на альбом группы L.A. Guns “The Devil You Know” (2019)

L.A. GUNS
The Devil You Know

℗ 2019 Frontiers Music FR CD 936 / Irond IROND CD 19-1945
11 tracks = 50'39"

L-A-Guns_19
Альбом группы L.A. Guns “The Devil You Know” на iTunes
Слушать альбом группы L.A. Guns “The Devil You Know” на Яндекс.музыке

Вряд ли найдётся много несолгасных с утверждением, что к разряду классики у лос-анжелесских патриархов глэм-рока L.A. Guns безусловно относятся только три с половиной работы, от безымянного дебюта (1988) и до каверового миньона “Cuts” (1992) включительно. Естественно, что и музыкантам группы постоянно хотелось во второй раз войти в ту же реку – да вот беда, до 2017 года никаких предпосылок к этому не было. Ведь реюнион ядра группы в лице гитариста Трэйси Ганза (Tracii Guns – экс-Killing Machine и Guns N'Roses) и вокалиста Филипа Льюиса (Philip Lewis – экс-Girl) стал фактом только с изданием именно в том году альбома “The Missing Peace”, вернувшимся, пусть и совсем не на уровне звукового продюсирования, к стандартам L.A. Guns 80-х не без определённого уклона в излюбленный Трэйси металлизованный панк-рок.

Честно говоря, “The Devil You Know” слушается работой над ошибками, допущенными коллективом при записи “The Missing Peace”. И всё же – только частичной таковой работой, хотя по выходу альбома его рекламная кампания строилась едва ли не единственно на утверждении, что «сейчас L.A. Guns звучат как настоящие наследники Led Zeppelin». Что имели в виду авторы столь смелого пресс-релиза – не очень ясно, однако среднетемповый титульный трек альбома и впрямь имеет некое отдалённое сходство с поздними эпиками «цеппелинов». В остальном же песенная программа радует своей разнообразностью, и даже столь ценимое Трэйси низкобюджетное продюсирование “The Devil You Know” не совсем портит – то ли уже привыкаешь после “The Missing Peace”, то ли и впрямь м-р Ганз, как принято выражаться, «заново изобрёл группу». Да ведь разнообразие и вправду L.A. Guns к лицу, особенно хороши в этом смысле опять же не самые спешные номера “Going High”, “Down That Hole” и “Gone Honey”, слушающиеся трибьютами в адрес американского хардового мэйнстрима 70-х. Причём в последней из этих пьес чётко слышен гитарный рифф из главного хита рок-патриархов Blue Öyster Cult “Don’t Fear The Reaper” (1976)… Не меньше уважения вызывает невольная дань музыкантов такому стилю, как рокабилли – это крайне оптимистичная “Loaded Bomb” с соответствующими партиями ритм-гитары и однопальцевым фортепиано. Само собой, здесь имеются пьесы, отсылающие как раз к временам коммерческих успехов L.A. Guns (“Stay Away”, “Needle To The Bone” и “Don’t Need To Win”), а также столь любезный сердцу Трйэси поп-металлический панк в облике обрамляющих альбом треков “Rage” и “Boom”. Баллада же “Another Season In Hell” группе традиционно не очень удалась, особенно в смысле аранжировки – но, воистину, такова традиция этого коллектива. Самому же коллективу на фоне нежданного разнообразия и разумной бесшабашности материала “The Devil You Know” хочется пожелать долгих лет жизни в грамзаписи и поменьше склок в собственных рядах. А также, что куда более важно, нормальных бюджетов на запись и оформление альбомов. Ничего личного – всё же мы помним L.A. Guns немного другими, и эту память отрицать не намерены.

Видеоклип к пьесе “Rage”


Видеоклип к пьесе “The Devil You Know”

Зеркало данной публикации на Дзен-канале автора
CDmonitor

Рецензия на альбом проекта The Dark Element “Songs The Night Sings” (2019)

THE DARK ELEMENT
Songs The Night Sings

℗ 2019 Frontiers Music FR CD 992 / Irond IROND 19-1960
11 tracks = 56'00"

The_Dark_Element_19
Альбом проекта The Dark Element “Songs The Night Sings” на iTunes
Слушать альбом проекта The Dark Element “Songs The Night Sings” на Яндекс.музыке

Мало кем улавливаемая деталь в создании различных, и иногда совершенно невероятных рок-проектов – они чаще всего конструируются не только ради музыкальных достижений (пусть зачастую и весьма призрачных), но и ради удовлетворения понятной ностальгии аудитории. Неважно, сколько лет слушателям и по какой эпохе их призывают ностальгировать – это детали чисто технические. Так вот, остаётся холодно констатировать, что с проектом The Dark Element фирма Frontiers Music попала в самую точку – как все понимают, творчество союза финского гитариста Яни Лиматайнена (Jani Limatainen – Cain's Offering и Insomnium, экс-Sonata Arctica) и исторически второй вокалистки суперзвёзд Nightwish Анеты Ользон (Anette Olzon), изначально адресован тем, для кого лучшими работами Nightwish так и остались альбомы, записанные с Анетой – “Dark Passion Play” (2007) и “Imaginaerum” (2011). То есть перед нами – очень редкий случай действительно удачного проекта Frontiers Music не в формате «вокалист и сторонние авторы», вот те авторы, что и на записи-то не появляются. Яни, как и в прошлый раз, исполнил все партии гитар и клавишных – но при этом в отличие от безымянного дебюта The Dark Element (2017) гитара не выдвинута в миксе на первый аранжировочный план, то есть новый альбом получился куда как более «эстрадным» (если так можно выразиться), нежели первая полноразмерная работа. А почему бы и нет – ещё в 2007 году многие справедливо замечали, что Анет как вокалистка была бы очень уместна в бродвейских мюзиклах!

С другой стороны, сейчас The Dark Element слушается даже большим Nightwish нежели современный Nightwish – всё-таки эксперименты лидера «большого имени» Туомаса Холопайнена (Tuomas Holopainen) с нью-эйджем и киномузыкой и довольно бесстрастный вокал Флор Янсен (Floor Jansen) несколько отчуждают нынешний состав Nightwish от той аудитории, которой нужна на сцене бойкая героиня. Ну вот же вам “Songs The Night Sings”, тем более что альбом открывается двумя идеальными радиохитами для любой страны – “Not Your Monster” и титульным треком. Плюс номер “Silence Between The Words” и стоящая совсем уж близко к среднестатистическому старому Nightwish пьеса “Pills On My Pillow” мало в чём им уступают. Зато трек “When It All Comes Down” схожа с материалом дебюта – и песня серьёзная, и гитарные риффы в ней серьёзные. Далее, к концу альбома номера начинают тяготеть к усреднённой модели симфонического поп-метала не без некоторой лёгкой танцевальности, но это не мешает проекту обогатить программу двумя стандартными, но зато легко воспринимаемыми самой широкой публикой поп-балладами “To Whatever End” и “I Have To Go”.

Вам нужен был альбом Nightwish, крайне схожий с “Wishmaster” (2000), но безо всякой песвдооперности? Вот вы его и получили! Отрадно, что Анета, работающая медсестрой, и сильно занятый в иных составах Яни собираются продолжать деятельность в рамках The Dark Element – на это указывает ремарка Анеты в буклете: «Жду не дождусь альбома №3!» Прекрасно, когда автор сам понимает, что у него выходит не какой-то «просто альбом проекта», а, как выражаются ныне, конкурентноспособный продукт, который и продуктом-то называть неудобно. Просто потому, что материал у The Dark Element получается ничем не хуже, чем у Nightwish как той группы, которую любит весьма широкая аудитория. Значит, эти слушатели полюбят и The Dark Element.

Видеоклип к пьесе “Not Your Monster”


Видеоклип к пьесе “Songs The Night Sings”


Текстовой видеоклип к пьесе “The Pallbearer Walks Alone”

Зеркало данной публикации на Дзен-канале автора