Category: музыка

Category was added automatically. Read all entries about "музыка".

говорит

Верхний пост / для связи

Отдельные материалы, размещенные в этом LiveJournal, могут показаться некоторым пользователям Интернета неприемлемыми. Их право – не читать данный LiveJournal.

Кроме того, данный пост создан для связи со мной. Все комментарии в нём скрыты.

Если вы не являетесь зарегистрированным пользователем LiveJournal, то можете отправить мне e-mail на адрес:
vsevolod-baronin@yandex.ru




Skype Me™!
Важные ссылки
Ссылка на архив публикаций на Web-сайте компании «МузТорг».
Ссылка на архив публикаций на Web-сайте Soyuz.ru.
Ссылка на архив публикаций на Web-сайте TASS.ru.
Ссылка на архив публикаций в блоге Web-сайта PedalZOO.ru.

Авторские материалы для русскоязычной Википедии. (2 материала)

Мой аккаунт на Facebook.
Мой аккаунт ВКонтакте.

Информация обо мне в моём LiveJournal.
Информация обо мне в Википедии.

Оглавление моего LiveJournal и разное
Самые интересные посты моего LiveJournal + бонусы.

Пополняемый список моих интервью с отечественными и зарубежными артистами для различных СМИ за 1997–2018 годы (55 интервью).

Рецензии на книги в моем LiveJournal.

Рецензии на CD, музыкальные DVD и музыкальные фильмы в моем LiveJournal.

•• Рецензии на CD фирмы грамзаписи ФОНО, в том числе лицензионные (2016–2019, 169 рецензий на 179 альбомов)
•• Рецензии на CD фирмы грамзаписи Irond, в том числе лицензионные (2015–2019, 57 рецензий)
•• Рецензии на CD фирмы грамзаписи Mazzar, в том числе лицензионные (2013–2018, 40 рецензий на 47 альбомов)
•• Рецензии на CD фирмы грамзаписи Metalism Records, в том числе лицензионные и дистрибутируемые ею (2012–2018, 117 рецензий на 122 альбома)
•• Рецензии на CD фирмы грамзаписи Soyuz Music, в том числе лицензионные (2014–2018, 201 рецензия на 204 альбома)
•• Рецензии на альбомы на Web-сайте Soyuz.ru (2016–2020, 44 рецензии)

•• Рецензии на CD и видеоносители для журнала “PLAY” (2001–2007, рецензии на 1 298 CD и 169 DVD)
•• Рецензии на CD и DVD для газеты “Легионер Weekly” и “Легионер” (2001–2011)
•• Рецензии для Web-сайта “2М – Музыкальный магазин” (2007–2008, 92 рецензии)

Официальный Web-сайт группы «Автограф» «The one and only Russian band that matters.» © я, 2001.
Рок-группа «Автограф» в моём LiveJournal.
Об идеальной, с моей точки зрения, сценической подаче рок-музыки.
Газеты «Легионер Weekly» и «Легионер» сети музыкальных магазинов «Пурпурный Легион» с №275 (23 февраля 2007 г.) по №392 (июнь 2011 г.) Здесь же их можно скачать отдельными номерами в формате .pdf.

Источники рок-музыкальных новостей
Новостная лента на титульной странице Web-сайта BlabberMouth.net.
Новостная лента Web-сайта BraveWords.com.
Новостная лента Web-сайта HardRadio.com.
Новостная лента на титульной странице Web-сайта MelodicRock.com.
CDmonitor

Рецензия на альбом группы Mortifer “Euthanasia Demo & The Blind Faith Demo” (2018)

MORTIFER
Euthanasia Demo & The Blind Faith Demo
(2 CD / Ltd.)
℗ 2018 Mortifer / Metal Race Records MR 052 (1)/(2)
10 (9) + 9 (8) tracks = 39'17" + 40'52"

Mortifer_93-94_DEMO

Весной 1993 года, когда автор этих строк трудился автором и ведущим программы «Рок-интенсив» на Радио России, очередная пачка корреспонденции принесла и бандероль с более чем прилично оформленной демо-кассетой “Euthanasia” доселе неизвестной ему группы Mortifer из Костромы. И что ж – на фоне уже поступавших тогда в адрес радиопередачи работ местных Кулибиных от рок-музыки и её продюсирования, она оказалась подлинным глотком свежего воздуха. Дело в том, что по очевидному ряду причин в подобном потоке звучащих кассетных артефактов доминировали либо суровые вариации на тему «русметала», либо совсем подвальным образом записанные недешифруемые творения малых пророков дес-метала и грайндкора. Мало того, что запись Mortifer представила автору (а чуть позже, летом – и широкому слушателю Радио России) высококачественный именно в своей азбучности трэш-метал скорее европейской модели, так музыкальный материал оказался ещё и на диво прилично записан, в том числе и на фоне некоторых аналогичных западных демо, к тому моменту уже попавших в поле зрения. Поскольку в сопроводительном письме лидер Mortifer, гитарист и вокалист Сергей новиков подробно описывал преодоление сложностей при записи “Euthanasia”, то замечание в эфире «за такое качество записи в столь примитивных условиях необходимо вручать Нобелевскую премию за работу в студии» избыточным не казалось.

Не кажется и сейчас, 27 лет спустя – хотя за эти годы Mortifer, пусть и ушедший от активной деятельности, превратился в одного из столпов отечественного трэш-метала в его наиболее прямолинейном, подлинно пролетарском виде. Да, и “Euthanasia”, и “The Blind Faith” обратились с годами в полноценные, перезаписанные в профессиональных студиях альбомы (в 1993 и 2002 годах) – и тем интереснее, как говорится, припасть к истокам. Тем более, что двойное переиздание обеих демо-лент, выполненное «архивариусным» лейблом Metal Race Records, не позволяет желать лучшего, от качественного ремастеринга исходного материала до подробных исторических комментариев Сергея и барабанщика Анатолия Чеботаря в буклете. В них упоминается и запись первого из двух демо на кассетные магнитофон «Яуза», что позволяет легко назвать “Euthanasia” одним из высших достижений кассетной звукозаписи в рок-истории вообще.

Как справедливо указывает Сергей в этих комментариях, на демо “Euthanasia”, записанном с декабря 1992 по февраль 1993 года, дотошно зафиксирован переход трио от хэви-металлических к трэшевым идиомам. Конечно, этот переход начал формироваться на первом демо Mortifer «Бессмысленная война» (1991, переиздан Metal Race Records в 2014 году), но здесь мы имеем дело с действительно качественной работой, как минимум не уступавшей подобным образцам той эпохи даже из-за океана. Укоренённость музыкантов в традиционном хэви-метале хорошо видна не только за счёт помещения на альбом кавер-версии едва ли не главного хита британцев Judas Priest “Breaking The Law” (1980), но и в структуре пьес, и даже в отдельных риффах. Но это не помешало группе написать совершенно классический собственный рифф в номере “Power And Might” и обратиться к синтезу спид- и трэш-меала в треках “Crematorium Yard” и “Judgement Day”. То, что это демо стало основанием для контракта группы на три альбома с фирмой Death City Records / BIZ Enterprises выглядело совершенно оправданным – другое дело, что весь контракт закончился с выходом уже профессионально перезаписанного “Euthanasia” исключительно на LP (и это поздним летом 1993 года!)

С печальной судьбой первого контракта связана и судьба демо “The Blind Faith”, работа над которым в августе-сентябре 1993 года шла как над «эскизом» второго альбома группы для показа Большим Боссам. Движение Mortifer в сторону «азбучности» в своём субстиле здесь оформилось окончательно – опять же массу риффов можно без оглядки назвать классическими, и вновь кое-где наличествует уклон в спид-метал; хотя бы в титульном номере и пьесе “Beggar”. Плюс отличная, совершенно классическая баллада “Don’t Say "Never"”… Увы, на твёрдом носителе этот альбом в профессиональной записи вышел только почти девять лет спустя, и с несколько другим трек-листом. Так что ценность данного двойного сборника несомненна, и не только музыкально-историческая, но и идеологическая – он показывает, что в России даже в весьма трудные времена не покладают рук «умельцы всевозможные», в том числе и в деле создания нишевой для России рок-музыки. Напоследок – маленькое замечание к разметке трек-листов на CD: в обеих демо интродукции объединены с первым полноценным треком, а на первом диске треки №№9 и 10 на самом деле следуют в обратном порядке.

Аудио-промо альбома “Euthanasia Demo & The Blind Faith Demo” на YouTube:
CDmonitor

Рецензия на альбомы группы Deviant Syndrome (2010 и 2013)

DEVIANT SYNDROME
Inflicted Deviations

℗ 2010 Mazzar MZR CD 473
9 tracks = 41'18"

DEVIANT SYNDROME
66 Ways To Redemption

℗ 2013 Mazzar MZR CD 628
9 (10) tracks = 66'06"

DEVIANT_SYNDROME_10_13
Альбом группы Deviant Syndrome “Inflicted Deviations” на iTunes
Слушать альбом группы Deviant Syndrome “Inflicted Deviations” на Яндекс.музыке

Альбом группы Deviant Syndrome “66 Ways To Redemption” на iTunes
Слушать альбом группы Deviant Syndrome “66 Ways To Redemption” на Яндекс.музыке

В высшей степени похвально, что значительная часть отечественных рок-музыкантов, избравших своей стезёй экстремальную музыку, относятся к своему делу чрезвычайно серьёзно, на уровне разработки концепций хотя бы отдельных альбомов, а то и всего своего творчества в целом. Одно из доказательств – перед вами: удивительная эволюция московского квинтета Deviant Syndrome из просто очень хорошей группы, исполняющей увлекательный мелодический дес-метал скандинавского образца на своём втором альбоме “Inflicted Deviations” (2010) к настоящему явлению нашей брутальной сцены с, как выразились бы ранее «рок-оперой» (на самом деле – глубоко концептуальным альбомом) “66 Ways To Redemption” (2013). Эта работа не стала явлением только благодаря глубокому отвращению местным «качественных» СМИ, даже и профильных, к гитарному перегрузу и электрогитарам вообще. Но сейчас, с выходом в свет EP группы “Wrecking The Void” (2020, Mazzar), недурно вспомнить о столь выдающемся релизе не самого заметного, увы, состава экстремальной отечественной сцены.

Альбом “Inflicted Deviations” по своему выходу в свет получил довольно-таки кислые рецензии с неизменными рефренами «мало брутальности» и вообще, «кому он нужен, этот мелодичный дес-метал?» А напрасно: на нём музыканты Deviant Syndrome продемонстрировали высокий уровень освоения творческого наследия таких не нуждающихся в представлении скандинавских мелодик-десовых групп, как Children Of Bodon, Arch Enemy и Kalmah. Но мало наследовать кому-то, пусть и таким грандам субстиля – нужно блеснуть ещё и качеством продюсирования, что группа и проделала: определённо, уровень проработки гитарных мелодических и гармонических партий ничуть не ниже, нежели у кумиров музыкантов. В особенности это касается номеров “Entire Cosmic Elements” и “Seal Of A Star Dweller”, которые в этом смысле находятся вполне на уровне Arch Enemy. Энергетика финального сведения также на месте, как и гостевой вокал Алекси Сихвонена (Aleksi Sihvonen) в треке “Consequence”, но чем же музыканты могли уже тогда зацепить жаждущего новаций слушателя и эксперта? Так вот, заделом на будущее оказался чисто техно–десовый инструментал “Liberation” монументальной длины 8'38" (!), в котором инструменталисты группы демонстрируют все свои фантазии и умения, до разумного применения партий акустических гитар включительно. Хотя, вероятно, тогда выводы на основании одной этой пьесы было бы делать рановато, но она запомнилась и провоцировала на ожидания.

И ожидания были более чем подтверждены с изданием CD “66 Ways To Redemption”, концептуальным альбомом с не очень похвальной, к сожалению, в современной России концепцией – весьма жёсткий (даже жестокий) и непростой по аранжировкам материал описывает здесь самые кровавые и бессмысленные деяния советской власти на протяжении почти всей её истории. Продюсером альбома на сей раз единолично выступил лидер Deviant Syndrome, певец и гитарист Георгий Щелбанин, добившийся в этой роли внушительного успеха: в соответствии с монументальной концепцией материал альбома балансирует между техно-десом и эпико-симфоническим дес-металом, чему способствует запредельная игра инструменталистов и сильно поднятые в миксе клавишные партии Ольги Ореховой. При этом мелодические гитарные партии в духе опять же Arch Enemy никуда не делись, но “66 Ways…” хорош в первую очередь даже не безупречной музыкальной составляющей, а осмысленными (так и хочется написать «историко-аналитическими») текстами, повествующими о не лучшей эпохе в истории нашей страны. Да и просто слышно, что для музыкантов эта тема интересна, и отношение к ней у них крайне неравнодушное, не то что у перестроечных артистов, одновременно певших про массовые репрессии и белые розы. Про исполнение материала, в которое музыканты вложили всю свою страсть и энергию, уже сказано, но нельзя не отметить и такую же продюсерскую страсть – и здесь стоит говорить даже не о включении в программу сэмплов речей и высказываний самых разных коммунистических персонажей от Ленина до Юрия Гагарина и кусков из соответствующих песен и фильмов, но и общую звуковую картину, своим размахом напоминающую о двух первых классических альбомах флоридцев Nocturnus (1990 и 1992). Концепция “66 Ways…” простирается вплоть до распространённого у металлистов-бруталистов времени звучания альбома 66'06" вместе со скрытым треком (нарезка из синтезаторных коллажей и советских песен), а основная программа звучит ровно час. И это, определённо, один из лучших часов, что подарила эксперту российская радикальная рок-сцена прямо с 1992 года: великолепный звук, умный подход к материалу, высочайший уровень музыкантов и неудобная для многих концепция альбома вкупе с его такой же «неудобной» обложкой. Если хотите, можете назвать Deviant Syndrome «нашим дес-металлическим Pink Floyd»: группа от этого точно хуже не станет, а своё место в отечественной рок-истории благодаря “66 Ways…” она уже застолбила.

Альбом группы Deviant Syndrome “66 Ways To Redemption” на YouTube:
CDmonitor

Рецензия на переиздания альбомов группы Pestilence (2018)

PESTILENCE
Testimony Of The Ancients
(2 CD / Digipak)
℗ 1991 / 2017 / 2018 Roadrunner Records / Hammerheart Records / Mazzar MZR CD 834
16 + 16 tracks = 42'59" + 72'25"

PESTILENCE
Spheres
(2 CD / Digipak)
℗ 1993 / 2017 / 2018 Roadrunner Records / Hammerheart Records / Mazzar MZR CD 838
15 + 18 tracks = 48'01" + 73'06"

Pestilence_91_93
Альбом группы Pestilence “Testimony Of The Ancients” на iTunes
Слушать альбом группы Pestilence “Testimony Of The Ancients” на Яндекс.музыке

Альбом группы Pestilence “Spheres” на iTunes
Слушать альбом группы Pestilence “Spheres” на Яндекс.музыке

Будьте уверены как минимум на 95%: если серьёзный меломан говорит вам, что он любит голландскую группу Pestilence, то он имеет в виду в первую очередь (а чаще всего – исключительно) именно эти два альбома, “Testimony Of The Ancients” (1991) и “Spheres” (1993). Можно съязвить, что личные вкусы здесь вторичны, а былой хайп первичен: ну как же, именно эти работы наряду с альбомами-одногодками флоридских умельцев Atheist и Cynic обратили некоторую – впрочем, незначительную – часть абсолютно модной на тот момент дес-металлической сцены в, как выразятся англоязычные эксперты, «металл мыслящего человека». В нашей же стране вышеупомянутые группы стали прямо-таки нечестивой троицей прогрессив-метала и культом в самом себе – и без этих строк известно, что для большинства музыкантов, взыскующих в России сверх- и просто тяжёлой «музыки не для всех» Pestilence именно в облике данных работ является культом по сей день. Впрочем, совершенно заслуженно.

Если обратить внимания на комментарии лидера Pestilence, гитариста и вокалиста Патрика Мамели (Patrick Mameli) в буклете переиздания “Testimony…” причиной трансформации группы в техно-десовый состав стало желание музыкантов двинуться радикально новым музыкальным путём после ухода из группы её первого фронтмена, поющего бас-гитариста Мартина ван Друнена (Martin van Drunen, впоследствии – Asphyx). Как всем известно, Мартин всю жизнь тяготел к брутальному трэшу образца 80-х (когда ещё и термин “Brutal Thrash Metal” не появился), и новации ему были чужды – Патрик же к моменту начала работы над “Testimony…” провозгласил себя поклонником новомодного дес-метала. Плюс уверенности в собственном авангардизме придавала грядущая работа под руководством тогдашнего гуру дес-метала №1, продюсера Скотта Бёрнса (Scott Burns) в флоридской студии Morrisound Recording. Словом, все высшие стандарты субстиля по состоянию на 1991 год были теоретически соблюдены, включая загадочную обложку кисти несколько подзабытого ныне Дэна Сигрэйва (Dan Seagrave). Однако, желая создать безупречную, по его мнению, дес-металлическую работы, Патрик шагнул гораздо дальше и записал стилеобразующий техно-десовый альбом, вероятно что вообще первый образец такого рода на европейской территории. Что примечательно, альбом тут же стал яблоком раздора, поделив фэнов группы и субстиля в целом на его сторонников и врагов.

Слушая “Testimony…” в наши дни, понимаешь, что на самом деле музыканты Pestilence записали на самом деле безупречный техно-металлический, как это называлось на заре 90-х, альбом – только с брутальным вокалом. Слышно, что великолепные инструментальные идеи группы поразили даже Скотта Бёрнса – ему было понятно, что по вполне уже сложившимся дес-металлическим шаблонам такой материал записывать просто негоже, поэтому часть гитарных соло Патика и его коллеги Патрика Утервийка (Patrick Uterwijk) звучит несколько в отрыве от микса ритмических партий. Да ритм-партии гитар, ни будучи ни разу дес-металлическими, страдают местами некоторыми пустотами. Вот что группе и впрямь удалось на 2000% – это инструментальные интерлюдии между пьесами, записанные Патриком Мамели вместе со студийным клавишником Кентом Смитом (Kent Smith), либо (трек “Soulless”) знатным гостем, басистом-виртуозом Тони Чоем (Tony Choy), на тот момент одновременно работавшим в составах Cynic и Atheist. Эти восемь интерлюдий очень разнообразят альбом и усиливают впечатление от действительно новаторской музыки, которую очень хочется назвать самым лучшим саундтреком для рассматривания картин и даже эскизов ещё одного великого голландца – конечно же, Иеронимуса Босха (Jheronimus Bosch, 1450–1516).

Два года спустя Pestilence в полной мере закончили свою эволюцию в технократических бруталистов при помощи альбома “Spheres”, спродюсированного Патриком Мамели в компании не кого-нибудь, а ещё одного знатного американца Стива Фонтано (Steve Fontano), в те годы и несколько ранее ответственного за звучание едва ли не всего выводка гитаристов-виртуозов с фирмы Shrapnel Records. Благодаря превосходному продюсированию альбом звучит именно прогрессив-металличсекой работой – ради дальнейшей технократизации звучания Патрик и его коллеги поступились известной брутальностью звучания: так, лихой вокал лидера смикширован здесь очень низко, всяко ниже, чем это полагается в дес-метале. Выразительности “Spheres” прибавила и безупречная игра нового бас-гитариста Еруна Пола Тесслинга (Jeroen Paul Thesseling – ныне Obscura), причём в сольном номере Еруна “Phileas” дело не обошлось без использования крайне популярной в те годы рэковой обработки Eventide 3000. Легко было бы представить, что следующим шагом в карьере Pestilence станет превращение группы в своего рода «брутальный Pink Floyd» – что было бы несказанно смелым шагом для первой половины 90-х, но студийная карьера группы прервалась на 16 лет. По возвращении к активной деятельности в 2009 году Патрик обернулся к исполнению музыки гораздо более брутальной, чем на двух обозреваемых альбомах, и они так и остались мало кем превзойдёнными артефактами брутального техно-метала и музыкальными памятниками ещё памятной эпохи.

Необходимо сказать пару слов и о бонус-треках данных переизданий, частично переиздававшихся ранее на концертных CD “Presence Of The Past” (2015) и “Presence Of The Pest (Live At Dynamo Open Air 1992)” (2016). Конечно, бонус-секции предназначены совсем уж для упёртых поклонников группы – точная и аккуратная запись дес- и техно-металлических концертов и даже репетиций в те годы была делом пусть недалёкого, но будущего. Нужно только отметить, что на этих записях Патрик Мамели очень старается быть брутальным вокалистом, но постоянно время срывается на трэш-металлические вопли – с точки зрения меломана со стажем выступление Cannibal Coprse летом 1993 года в Москве звучало куда как убедительнее… Тем не менее, все эти бонус-треки дают нам законченный портрет группы Pestilence в самый важный период её существования – что может быть лучше и своевременнее?
CDmonitor

Рецензия на альбомы Саши Висты «Я тебя люблю» (1995 / 2010) и «Ветка сакуры» (2013)

САША ВИСТА
Я тебя люблю
(Digipak)
℗ 1995 / 2010 Саша Виста (number n/a)
12 tracks = 46'35"

САША ВИСТА
Ветка сакуры
(Digipak)
℗ 2013 Саша Виста (number n/a)
15 tracks = 50'14"
Саша Виста_2_альбома

Не будем задавать довольно бессмысленный вопрос: «Отчего так получилось, что в России в роли “умной” и неэкстремальной музыки выступает чаще всего гибрид авторской песни и аранжировочных приёмов, характерных для нью-эйджа?» Получилось и получилось, причём симпатии что слушателя, что собрата-профессионала к подобному материалу уходят даже не в конец 80-х, их вполне можно отследить ещё десятилетием раньше. Следовательно, вопрос не в форме такой музыки, а то, с каким уровнем профессионализма она доносится до слушателя. И здесь композитор, певец, гитарист и продюсер Саша Виста практически оказывается вне конкуренции: гигантский опыт работы с самым разнородным музыкальным материалом, в том числе и на сцене театра «Ленком» плюс продюсерские умения, которых музыкант набирался и за пределами России – вот залог качества его серьёзных сольных работ.

Альбомы «Я тебя люблю» и «Ветка сакуры» образуют неявную дилогию – да что там, они имеют полное право быть изданными двойником под одной обложкой. Первый из них гораздо менее «сфокусирован» и отличается некоторым лёгким стилистическим разбросом материала и некоторым большим уклоном в традиционный мэйнстрим-рок. Оно и неудивительно – песни альбома «Я тебя люблю» написаны в первой половине 90-х, когда рок-опыты артиста в группах «Аракс» (на тот момент – штатного коллектива «Ленкома») и «Лунный Пьеро» ещё были вполне свежи. Но и эти опыты тяготели к очень мягкой, камерной, если можно так выразиться, песне и, что нужно поставить Саше Висте в заслугу, подобные условно околороковые эксперименты в значительной степени опираются на русскую национальную мелодику. Здесь очевидным образом прослеживается не только собственный интерес к попыткам создания, если можно так выразиться, «нового романса» (удачные примеры которого – «Свет на бархат» и «Мама»), но и наставничество музыкантов «Аракса»: пьеса «Но поздно» мелодически очень схожа с творениями прославленной группы, а номеру «Странник» будто бы не нашлось места на одном из альбомов группы «СВ». В облике трека «Белый ветер» мы можем слышать, что ритм-энд-блюз может быть вполне хитовым и в такой тихой атмосферной трактовке, но ещё одним явным хитом альбома является опять же очень национальная по настроению пьесе «Я начинаю верить», которую хочется провозгласить нашим ответом титульному треку знаменитого альбома британской группы Dire Straits “Brothers In Arms” (1985).

Огромный опыт Саши Висты как продюсера, студийного музыканта и концертного исполнителя, в том числе и за пределами России, позволяет ему не повторяться и в сольном русскоязычном творчестве. Хотя, как уже говорилось, альбом «Ветка сакуры» является идеологическим продолжением «Я тебя люблю», он всё же чуть отличается от предшественника – здесь автор со свойственной ему звуковой тактичностью продвигает своё творчество в сторону Дальнего Востока, точнее – Японии. Темы единения человека и природы и псевдояпонский инструментал «Карацу» безусловно здесь к месту, равно как и исполнение номера “Sakura” на японском языке. Ещё одна удивительная новация – аранжировка пьесы «Алые паруса» с изрядным уклоном в Flamenco Nuovo, хотя и поданное через призму песенного нью-эйджа. И всё же, слушая «Ветку сакуры» целиком, не можешь отделаться от впечатления, что и на сей раз у Саши Висты всё получилось: перед нами именно сборник современных тихих русских романсов. Особенно хороши в этом смысле «Светлая ночь» и собственно «Романс». Плюс здесь имеются номера, про которые хочется сказать «между романсом и “Араксом”», а именно «Подожди меня», «Солнышко ясное» и «Рыбы». Конечно, стало уже общим местом возглашать о том, что атмосфера студийного альбома передаёт его настроение – но давно не доводилось слышать более ярких подтверждений этой словесной банальности, нежели оба CD Саши Висты. Профессиональный опыт музыканта, о котором говорилось выше, в сочетании с его потрясающим чутьём композитора и исполнителя-лирика способен творить чудеса. Те самые, с которыми мы ежетактно знакомимся на звуковых дорожках этих двух альбомов.

Аудиоклип к пьесе «Романс»:
CDmonitor

Рецензия на альбом группы «СВ» «Московское время» (1984 / 2019)

СВ
Московское время
(Digipak)
℗ 1984 / 2019 RDM CDRDM 0219974
13 tracks = 42'21"

СВ_84
Альбом группы «СВ» «Московское время» на iTunes

Если бы отечественные музыкальные журналисты, подобно своим зарубежным собратьям, с лёгкостью оперировали термином «потерянный альбом», то лучше определения для второй работы московской супергруппы «СВ» просто не найти. Конечно, вся дискография – и даже творчество «СВ» в целом – в специфических условиях нашей Родины носит на себе некий штамп «потерянности», то есть ненацеленности на пресловутого «широкого слушателя», но мы-то говорим о конкретном альбоме… И сразу нужно предупредить, что уже второй раз переиздаваемый на CD, на сей раз с новым ремастерингом, альбом «Московское время» не имеет никакого отношения в музыкальном смысле ни к творчеству Алексея Романов как вокалиста «СВ», ни к материалу «золотого состава» группы конца 80-х (хотя и в меньшей степени), когда эти музыканты экстракласса просто рвали своими техническими умениями и сценической энергетикой любые концертные площадки с любыми предгруппами на них.

Можно поддаться соблазну очевидного, и объяснить музыкальную сложность «Московского времени», равно как использование стихов вполне признанных поэтов Юрия Левитанского, Григория Поженяна и Арсения Тарковского – и даже мелодекламацию вместо вокальных партий! – особенностью времени: альбом создавался и записывался в самый сложный для отечественной рок-музыки год, 1984. Многие помнят, что в тот год сметались с прилавков и редкие альбомы в стиле фьюжн, и просто джазовые LP… Но все сложнее – хорошо слышно, что гитарист и музыкальный идеолог «СВ» Вадим Голутвин (экс-«Аракс» и «Весёлые ребята») ставил здесь перед собой и коллегами чисто музыкальные (и музыкантские ) задачи и успешно решал их. Сам Вадим объясняет такую эволюцию группы в сторону непесенных форм своим тогдашним интересом к творчеству американского гитариста-виртуоза Пэта Мэтени (Pat Metheny), однако более традиционно мыслящему слушателю в материале «Московского времени» слышатся интонации группы Toto, причём уже второй половины и конца 80-х (!) – таким образом, Вадима с его умениями здесь хочется уподобить гитаристу Toto Стиву Лукатеру (Steve Lukather).

Но, конечно, назвать данную инкарнацию «СВ» просто «русским Toto» будет несколько странно – прежде всего, «Московское время» не было сборником хитов и попыток создать таковые. Разве что «Спешит моя радость» Алексея Романова тянет здесь на хит – но и то скорее вследствие своей поздней известности. Скорее надо говорить о синтезе хитрого гитарного фьюжна, модифицированного блюза (как в пьесе «Весна») и несколько загадочного и отстранённого по звучанию ритм-энд-блюза, примером чего является номер «Пили и курили», решённый как настоящая песня-мистерия. И, само собой, умелое использование русской мелодики в серьёзном музыкальном материале, до чего Вадим Голутвин всегда был непревзойдённым мастером, придаёт «Московскому времени» безусловное национальное очарование и даже несколько выводит его за рамки работы, интересной лишь настоящим меломанам. В этом смысле вне конкуренции пьесе «Когда на улице темно». Однако мелодекламация Вадима и Александра «Фагота» Бутузова (1957–2013) будет непривычна не только тем, кто ждал в 80-е и ждёт сейчас от «СВ» повторения идиом группы «Воскресение» – подобный приём и в рок-метрополиях в редкость. Если же говорить об инструментальных аранжировках, то альбом стал настоящим музыкальным полигоном не только для Вадима, но и для трубача и перкуссиониста Александра Чиненкова (экс-«Весёлые ребята»), и включение в программу кавер-версии пьесы “Jazz Dance” великого джазового трубача Майлза Дэвиса (Miles Davis, 1926–1991) случайным точно не назовёшь. Александр стопроцентно блеснул на альбоме как трубач, и не задавайте больше глупых вопросов в духе «а что этот музыкант вообще делал на сцене в рок-составах с именем».

С изрядного исторического расстояния видится, что значение альбома «Московское время» не настолько уж и меньшее, нежели у так и не изданного официальным образом «Колокола тревоги» «Аракса» (1980). Но если «Колокол…» сообщал слушателям, насколько серьёзным воздействием на обыкновенного слушателя может иметь сочетание русской песенной мелодики и нормальных, мощных «западных» рок-аранжировок, то альбом «СВ» является аналогичным прорывом на территории поп-фьюжна. А раз так, то этот CD оказывается совершенно нелишним в коллекции настоящего любителя русскоязычного (а никак не «русского»!) рока тех времён, когда над его созданием трудились настоящие профессионалы старой школы.

Альбом группы СВ «Московское время» на YouTube:
CDmonitor

Рецензия на альбом группы «УГ – Уникальная группа» «Дримляндия» (2017)

УГ – УНИКАЛЬНАЯ ГРУППА
Дримляндия
(Digipak)
℗ 2017 УГ – Уникальная группа (number n/a)
12 tracks = 55'44"

Уникальная_группа_17

Вот тот случай, когда музыканты собрались шутки шутить, а попали точно в цель! Понятно, что каждый слушатель будет в наши дни расшифровывать аббревиатуру «УГ» в меру своей, гм, фантазии, но на обложке CD (а равно и на мерчандайзинге группы) начертано: «Уникальная группа»… и этому веришь. Волгоградский квинтет и правда уникален, хотя и непонятно, отчего бы в России, где мощные шутки ценили всегда, до сих пор так и не появилось полноценной пародийно-юмористической хэви-группы. Так сказать, нашего ответа если не на Spinal Tap, то хотя бы на Bad News – естественно, с необходимыми национально-музыкальными поправками.

«Мы делаем знакомые мелодии незнакомыми», – прямо заявляют музыканты «УГ» в буклете альбома. Нет, не совсем так: мелодии-то знакомые, и слова песен тоже, но вот сочетание их – да, оно веселит. Тем более, что в правильной традиции тех же британских групп-прототипов это издевательство над оригиналами преподносится с серьёзным видом. Содержание «Дримляндии» можно поделить на музыкальные коллажи (или, как выразятся сейчас, мэшапы) и просто зверские кавер-версии – но ещё неизвестно, что радует слушателя самой разной степени подготовленности больше. Так, формально номер «Штиливали (Людоедская лирическая)» является сильно юмористической кавер-версией «Штиля» (2002) «Арии». Однако этот тот случай, когда при помощи гротеска музыканты «УГ» при участии бывшего фронтмена Arida Vortex и «Ольви» Андрея Лобашёва рассказывают нам неприглядную правду об эстетике оригинала… В общем, впечатление от «Штиливали» – что от ранних неожиданных рассказов и повестей Виктора Пелевина, а тут ещё издевательская полька в гитарном проигрыше. В целом же этот номер напоминает на полном серьёзе разозлившую многих, умышленно кривую и косую кавер-версию “Bohemian Rhapsody” (1975) Queen от Bad News (1987).

Безотказный комический эффект всех без исключения номеров альбома достигается как раз сочетанием якобы зверского вокала Романа Матасова (само собой, что в отечественной традиции певец подобного коллектива должен изображать несложного кинокомедийного злодея!) и издевательских гитарных партий Дмитрия Чайки. Причём самое сильное высказывание такого рода – это «Облакаундоун (Дримляндская кольцевая в час пик)», где во всем известные мелодии “Final Countdown” (1986) Europe, излагаемые громкой гитарой, ввёрнуты куплеты песни “Облака – беологривые лошадки». Понятно, что лобовой комический эффект таких более очевидных номеров, как «Winnie (Плюшевый аннигилятор мёда)», «Паукан (Песенка про дружбу членистоногих с млекопитающими)» и «Mamontus-1912 (Сага про два одиночества)» посильнее будет, но всё же уважим и более сложные подходы. Ну и какой альбом отечественных рок-юмористов может существовать без отсылов к Metallica («Sandman Polka (Песня Витаlica)») и Pink Floyd («We Don't Need No Uchat V Shkole (Эдьюкешн Интернейшнл)») с понятно какими пьесами-источниками вдохновения. Венчает же альбом уже традиционная для наших рокеров «с огоньком» кавер-версия рыбниковского «Буратино» с чудесным названием «Бурый (Деревянный Франкенштейн советской эпохи)» – так сказать, дань невеликой, но традиции.

Как ни странно, большинство сетевых рецензий на «Дримляндию» почему-то упирают на якобы отрицательную несерьёзность альбома и вообще «отсутствие собственного лица» (???) Вообще-то «лицо группы» полагается искать в её собственном творчестве – почему-то кажется, что музыканты «УГ» в жизни участвуют и в других, не столь раздолбайских в хорошем смысле слова коллективах. Идея-то «УГ» в другом, и она лежит на поверхности – развеселить наших в основном серьёзных до зевоты рок-поклонников. Да, музыканты выбрали очевидный путь – простите, но этим же путём уже ходили многие, в том числе и в рок-метрополиях. Честно говоря, автор этих строк не отказался бы познакомиться и с продолжением «Дримляндии».

Видеоклип к пьесе “Паукан”


Слушать альбом «Дримляндия» на YouTube
CDmonitor

Рецензия на альбом группы Junkyard Drive “Black Coffee” (2018)

JUNKYARD DRIVE
Black Coffee

℗ 2018 Target / Mighty Music PMZ 274 CD
11 tracks = 44'11"

Junkyard_Drive_18
Альбом группы Junkyard Drive “Black Coffee” на iTunes
Слушать альбом группы Junkyard Drive “Black Coffee” на Яндекс.музыке

Исполнять и записывать музыку, скопом относимую ныне к ретро-року, не так уж просто, как кажется на первый взгляд. Ну да, можно воспроизвести все тонкости звучания альбомов арена-рока середины-конца 80-х, потратив на это массу денег – и зачастую получить за это лишь публичные порицания. Своё звучание – своим временам и своим именам… Слишком современный звук в подобном уже несколько ностальгическом материале тоже не сказать чтобы уместен – словом, всё в руках саунд-продюсера. Датской группе Junkyard Drive несказанно повезло: продюсером их обеих альбомов стал гитарист Сорен Андерсен (Søren Andersen – Electric Guitars), известный также по студийному и концертному сотрудничеству с Гленном Хьюзом (Glenn Hughes) и являющийся совладельцем студии “Medley Studio”. Да, можно ругать Сорена за то, что всем своим подопечным он выстраивает примерно одинаковое звучание – мощное, громкое и прямолинейное, но при этом с отлично слышимыми партиями каждого инструмента. Можно сказать, что такой звук – это фирменное отличие датского же издателя Target / Mighty Music, но в случае с Junkyard Drive подобный продюсерский подход работает не то что на сто, а на гораздо большее число процентов.

А почему? Все просто: с как минимум первым гитарным соло в открывающем “Black Coffee” треке “Time Is Over” становится ясно, что путеводной звездой Junkyard Drive так и остались американцы Skid Row со своим каноническим безымянным дебютом (1989). Вокалист же Кристиан Йохансен (Kristian Johansen) так и поубедительнее молодого Себастьяна Баха (Sebastian Bach) будет: в голосе Кристиана нет истерики, но есть убедительная мощь, совершенно необходимая для подобного современного прочтения коммерческого мэйнстрим-рока 80-х. И далее, как говорится, без остановок – пьесы “Sucker For Your Love”, “Backseat Baby” и “Wasted Nights” являются классическим современным прочтением рок-н-ролльных идиом, в номере “Sweet Little Dreamer” датчане показывают, что отлично понимают, как можно и нужно интерпретировать блюз в рамках коммерческого хард-рока, да и в написании баллад они показывают себя умельцами. К примеру, авторство надрывного трека “Way Too Long” вполне можно приписать Scorpions 80-х, а отчего-то стоящая встык с ним пауэр-баллада схожа как с прототипами тех же Skid Row, так и Great White. Единственная звуковая новация на альбоме, и не самая понятная – это альтернативное звучание партий ритм-гитар в “Make Up Your Mind” и “Same Old Story”. Венчает же альбом инструментальный трек “See You Next Time”, но это ни в коем случае не аморфная атмосферная баллада без слов, а шустрая и в меру злая пьеса, напоминающая даже о проделках гитаристов-инструменталистов на американском лейбле Shraphel Records опять же эдак с треть века назад. Будем думать, что этот номер – своего рода трибьют продюсеру “Black Coffee” и его работе в составе Electric Guitars. И если вы устали гонять на своём аппарате понятно чьи и какие альбомы конца 80-х, то обратитесь к этой работе Junkyard Drive: нет, эти звуки ведут не к американской группе Junkyard, на что вроде бы намекает название, но в сферы более динамичные и радостные. Радостные лично для вас, и с меньшей вероятностью – для ваших соседей.

Видеоклип к пьесе “Sweet Little Dreamer”


Видеоклип к пьесе “Sucker For Your Love”


Видеоклип к пьесе “Way Too Long”
CDmonitor

Рецензия на цифровой сингл Наташи Трейи «Хорошее» (2020)

НАТАША ТРЕЙЯ
Хорошее (Acoustic Version)
(Digital Single)
℗ 2020 ООО «С-ТДК»
1 track = 3'39"

Наташа_Трейя_20SP

Сингл Наташи Трейи «Хорошее» на iTunes
Слушать сингл Наташи Трейи «Хорошее» на Яндекс.музыке

За такое понятное для всех свойство исполнителя, как естественность, у нас ратуют все – но странным образом естественным быть получается мало у каких персонажей современной российской поп-сцены, тем более молодых. Очевидно, считается, что раз мы теперь зачастую наблюдаем мир не собственными глазами, а через камеру смартфона, то наш собственный, именно внутренний взгляд на мир, никому не интересен. Однако новый сингл и видеоклип Наташи Трейи «Хорошее» разом рвёт с дурной традицией исполнения подобных нечестных – другое определение не подобрать – песен. Конечно, сказалась и обстановка, ведь работа над песней и клипом завершена уже на нынешнем карантине… Тем не менее, «Хорошее» наглядно показывает нам траекторию эволюции автора и исполнительницы в очень стильную артистку и продолжает движение в сторону, намеченную синглом «Война» (2018).

«Хорошее» ещё до своего официального релиза на цифровых сервисах позиционируется как «стильный и атмосферный» хит – да, это безусловно хит, поскольку мелодия песни сразу же застревает в голове, и её оттуда никак не изгонишь. Что же касается стилистики, то уже предпосылаемое кое-где треку определение «атмосферный хип-хоп» в общем-то верно, но лучше всего вспомнить о полузабытом итальянском кудеснике прозрачного звучания Роберте Майлзе (Robert Miles) и его мировом хите “Children” (1997) и отнести «Хорошее» к категории современного молодёжного дрим-попа. Именно дрим-поп – в конце концов, песня повествует о том, чтобы во всём видеть хорошее; и совершенно излишне говорить о том, насколько такой скромный духоподъёмный гимн сейчас приходится ко времени. Удивляет и то, как при весьма скромных музыкально-аранжировочных средствах, фактически одним голосом певица добивается здесь широкой и безотказно действующей на слушателя эмоциональной гаммы. Как принято говорить – «артисту веришь».

Конечно, кого-то смутит вновь продемонстрированная грусть в творчестве артистки – что ж, нам сообщают, что «поколение Z больше любит грустные песни». Но, как видится, в специфических отечественных условиях «Хорошее» явно апеллирует и к старшей аудитории, которая привыкла «видеть хорошее» в ещё советских массовых песнях немало лет тому назад. В любом случае «Хорошее» – это, извиняюсь за тавтологию, отличное добавление в плейлист любой FM-радиостанции, которая не печётся исключительно о ненужном и малоуместном бодрячестве все 24 часа в сутки.

Видеоклип к пьесе «Хорошее» (Acoustic Version):
CDmonitor

Рецензия на альбом группы «ДАЙ» «Виновен тем, что жив» (1995 / 1996 / 2015)

ДАЙ
Виновен тем, что жив

℗ 1995 / 1996 / 2015 ДАЙ / MetalAgen Records / Metal Race Records MR 015
11 tracks = 51'28"

ДАЙ_95_15
Слушать альбом группы «ДАЙ» «Виновен тем, что жив» на Bandcamp

Негласно считается, что фирмы-переиздатели, тем более отечественные, в основном выпускают альбомы тех артистов, «которых никто не знает и они никому не нужны» (©, к сожалению). Не без того, согласимся, но в рок-истории любой развитой страны существуют и такие полузабытые или слобопопулярные релизы, мимо которых никак нельзя пройти. Понятно, что в первую очередь – переиздателю, но и не самому узкому слушателю – тоже.

Единственный альбом московского квартета «ДАЙ» даже в момент своего первого издания в 1996 году воспринимался полумифической «передовой публикой» как некий страшный анахронизм, которым только детей пугать. А напрасно – середина 90-х была как раз эпохой перехода очевидный кумиров и учителей «ДАЙ», а именно Metallica, в разряд суперзвезд абсолютно мэйнстримного свойства, и аккурат в тот момент нашей сцене такой «наш ответ Америке» вовсе не помешал бы. Да что там «наш ответ» – такой альбом как «Виновен тем, что жив», и даже всего-то его первая, студийная часть (первые четыре трека) просто обязан был катапультировать «ДАЙ» в мэйнстрим. Но на дворе стоял 1996 год – модные товарищи упивались уже несуществовавшим триумфом Nirvana и всего, что они считали за «гранж и альтернативу», и на этом фоне даже «Ария» считалась молодой и малоизвестной группой, ибо о её успехах в 80-е на тот момент никто не помнил. Да и просто считалось, что трэш-метал – это страшная и маргинальная музыка городских окраин, за что отдельное спасибо тогда ещё недохлому якобы главреду одного очень нерегулярно выходившего рок-журнала.

Переслушивая почти четверть века спустя «Виновен тем, что жив», тем более с современным ремастерингом не нуждающегося в представлении Евгения Виноградова, бывшего в те времена фронтменом и ритм-гитаристом «ДАЙ», в очередной раз удивляешься, насколько же своевременным был этот альбом для России 1995–1996 годов. Вероятно, можно обвинять Евгения и его коллег в плагиате Metallica – но это именно тот случай, когда к термину «плагиат» напрашивается определение «творческий». К музыкальному материалу группы не может быть никаких претензий, даже со скидками на условия записи – известно, что последние четыре номера основной программы альбома были записаны с концерта в московском клубе «Вояж» 2 июля 1995 года, и затем уже смикшированы приличным образом. Тексты какие-то «не такие»? Ну, это трэш-металлический альбом, а не поделие в сомнительной стилистике «русского рока», и музыканты «ДАЙ» никогда себя за подвижников текстовой идеи не выдавали. Людям же, удивляющимся на современные продюсерские навыки Евгения Виноградова, следует обязательно ознакомиться с альбомом – и все вопросы отпадут: если человек так занимался звучанием своей группы 25 лет тому назад, то какие к нему могут быть вопросы сейчас? Причём на записи «ДАЙ» демонстрирует редкий дар ансамблевой игры, не всегда в полной мере доступный отечественным трэш-металлистам. Но ансамбль всегда есть сумма индивидуальностей, и звучание гитар Евгения и Сергея Боголюбсого и прямо-таки паровозной бас-гитары Леонида Бажоры и в 2020 году могут служить образцом для всех и каждого, кто хочет записать настоящий олдскульный трэш-альбом. Искренне жаль, что о группе «ДАЙ» приходится говорить как о великой несбывшейся надежде отечественной хэви-сцены, но нам ли привыкать к таким разговорам…

Переиздание «Виновен тем, что жив» от Metal Race Records комплектуется тремя бонус-треками, записанными уже в 2000–2002 годах, и если номер «Москвалиада» и комбинированная, выразимся так, кавер-версия Metallica “Wheleper I Messiah Roam” ничего нового к завидным статям альбома не добавляют, то почти индустриальная кавер-версия «Волонтёра» (1985) «Арии» позволяет взглянуть на музыкантов как смелых экспериментаторов на грани дозволенного – хотя поклонников «Арии» эта жесточайшая версия стародавнего хита точно не обрадует. Что ж, возможно, это и лишний трек в переиздании – но не будем сетовать, ведь задача переиздателя – представить наличный песенный каталог группы полностью. А раз объектом дополнения стал такой альбом, как «Виновен тем, что жив», то никто не заставляет вас выходить за пределы основной песенной программы. Вот её в первую очередь и слушайте – это не просто радость металлиста, но и повод для размышлений о том, что было бы, если в стране России действительно наличествовала высокая массовая музыкальная культура.

Альбом «Виновен тем, что жив» на YouTube (исходная версия, 8 треков):